ZION, décryptage d’une traque mystique

En Guadeloupe, Chris, un petit drug-dealer de quartier, accepte une livraison à risque, quand il découvre un bébé déposé devant sa porte, accompagné d’un mot : « ton enfant ». Commence alors pour lui un road movie infernal pour échapper aux gangsters, doublé d’un voyage métaphysique pour retrouver la mère de l’enfant nommé Zion.

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  In Guadeloupe, Chris, a small-time neighborhood drug dealer, agrees to take on a risky delivery when he discovers a baby left at his doorstep, accompanied by a note: "your child." This marks the beginning of a hellish road movie as he tries to escape gangsters, while also embarking on a metaphysical journey to find the mother of the child named Zion.

  For his debut feature film, Guadeloupean director Nelson Foix tells the story of his protagonist Chris with guts, heart, and a blend of references both integrated and regurgitated (The Place Beyond The Pines, Drive, Tsotsi, Athena), successfully making ZION a touching film with a captivating atmosphere. And while its profusion of symbols and themes sometimes dilutes the depth of its subject, this quasi-biblical coming-of-age tale, which could find its place among the premium line-up of Disney+ films, manages to break free from its original short film and takes the viewer on a thrilling “drive.”

  Symbolism, Visible (Too Much) and Invisible

  Opening: the camera sweeps along the long tail of an iguana, then moves up the powerful, ancient, and rugged body of the reptile. Its head fills the screen, just as its ominous breathing resonates in the depths of our chest. "Listen to the storyteller who is about to deliver his word", the director seems to say, making this endemic Guadeloupean reptile the vector of all his mystical projections. However, the animal, omnipresent through shots, tattoos, medals, and dreams, becomes an overly significant symbol, losing subtlety through repetition. The statue of the Virgin Mary, also a marker of a highlighted syncretism, becomes a deus ex machina when held by the child, saving the hero from certain death merely by its presence. Does Chris undertake a metaphorical journey from Gwada-Bylone to Zion, the Rastafari paradise? Like a superhero or a biblical character, he will be spared by the hand of God, never hit by a single bullet. Even Luke Skywalker lost an arm in his quest.

  The characters all seem driven by a divine force rather than personal motivations, weakening the story’s impact. Yet, the film’s invisible elements are what make it successful—those that draw us in and evoke a suggestive mysticism are found elsewhere. The magnetic sounds of the night, the hypnotic movements of bodies during Carnival, faces sculpted by torchlight, fleeting glances, unspoken words drowned out by the sound of drums—all these elements bring Guadeloupe to life, revealing the island’s soul like rarely seen on screen. The dark arena of Pointe-à-Pitre and its neighborhoods, filmed at night 80% of the time, comes alive before our eyes, carried by a sensitive and organic cinematography. The grain that always leaves some detail in the dark parts of the image softens the contrasts, making them less harsh and more nuanced than those of a cold metropolitan city. Here in the Caribbean, it’s bustling, living on a volcano, where resourcefulness and faith reign supreme, allowing people to endure the colonial and social chaos so tightly woven into the country's life that it becomes inseparable. Zion tells us that people suffer in Guadeloupe, and the idea already present in the short film Ti moun aw—about cruise ships coming to take away small pieces of the island—rings true. Is Carnival really a vector of repression as portrayed? It doesn’t matter; we accept being immersed in the director-writer’s vision, who, incidentally, embodies his omniscient storyteller’s gaze in a rather heavy-handed cameo, unfortunately capable of pulling viewers out of the film if they recognize his face.

  Scattered Trajectories and a Welcome Father-Son Relationship

  In 2006, Tsotsi by South African director Gavin Hood initiated a similar narrative, featuring the characteristic violence of Soweto. A 19-year-old orphan, a “tsotsi”—a term for lost thugs—ends up taking care of a baby found in the back of a car he steals, after shooting the owner. He carries the infant in a shopping bag, and by caring for him, he consoles the abandoned child he still carries within himself. The film intertwines the thriller’s plot with Tsotsi’s internal journey and his rehumanization. In Zion, the child is left on Chris’s doorstep like a stork’s gift, and it has nothing to do with his trafficking or his life as a "fuckboy”, since later we discover that Chris knew from the start that the child wasn’t his, creating a gap between the hero and the audience and killing the promise of fatherhood initially presented.

  Chris therefore fights on two fronts: fleeing the traffickers pursuing him and finding Zion's mother. It’s not until the film’s final act that the two storylines converge, with the gangsters kidnapping the child. This late intersection of the plots weakens the dramatic impact, giving the impression of following two separate stories. Chris’s internal journey—from carefree youth to father—also struggles to convince, as it is patched onto the whole with a backstory that feels contrived: Chris protects Zion because his own father failed to protect him and his mother when she was killed during a police crackdown at Carnival, right before his eyes as a child. Nevertheless, the precious relationship between Chris and his father, who helps him protect Zion, fills in the gaps of the over-constructed screenplay and keeps the emotional thread intact.

  Where Are the Women?

  The portrayal of female characters is perplexing. Women are depicted as vessels, cameos, mothers who refuse to be, or girls who choose the wrong men. This lack of nuance contributes to a narrative imbalance, where fatherhood emerges as the only unwavering moral value—even among traffickers. The film seems to rewrite a new sacred text where only Chris’s dead mother, his stepmother, and the Virgin Mary are worthy of grace. No responsibility is suggested for the traffickers (including Chris) regarding the state of Zion’s mother, a drug addict whom he “never touched”—a pariah incapable of fulfilling her maternal role. Frankly, this approach leaves a bitter aftertaste, neglecting the issue of single mothers in the Caribbean and their mental burdens.

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  En Guadalupe, Chris, un pequeño traficante de drogas del barrio, acepta una entrega arriesgada cuando descubre un bebé dejado frente a su puerta, acompañado de una nota: "tu hijo". Así comienza un road movie infernal para escapar de los gánsteres, combinado con un viaje metafísico para encontrar a la madre del niño llamado Zion.

  Para su primer largometraje, el director guadalupeño Nelson Foix cuenta el viaje de su protagonista Chris con vísceras, corazón y referencias mezcladas y regurgitadas (The Place Beyond The Pines, Drive, Mon nom est Tsotsi, Athena), logrando hacer de ZION una película conmovedora, con una atmósfera envolvente. Y aunque su profusión de símbolos y temas a veces diluya la profundidad de su tema, este relato iniciático casi bíblico, que podría encontrar su lugar en la alineación premium de películas de Disney+, logra emanciparse de su cortometraje original y lleva al espectador en una "drive" trepidante.

  Simbolismo, visible (demasiado) e invisible

  Apertura: la cámara recorre la larga cola de una iguana, luego asciende por el cuerpo poderoso, antiguo y rocoso del reptil. Su cabeza invade la pantalla, de la misma manera que su respiración inquietante resuena en los confines de nuestra caja torácica. "Escuchen al narrador que está a punto de entregarnos su palabra", parece decir el director, haciendo de este reptil endémico de Guadalupe el vector de todas sus proyecciones místicas. Sin embargo, el animal, omnipresente a través de los planos, los tatuajes, las medallas y los sueños, se convierte en un símbolo sobredimensionado, perdiendo sutileza por su repetición. La estatua de la Virgen, también símbolo de un sincretismo subrayado, se convierte en un deus ex machina cuando, en manos del niño, salva al héroe de una muerte segura simplemente por su presencia. ¿Chris emprende un viaje metafórico de Gwada-Bylone a Zion, el paraíso rastafari? Como un superhéroe o un personaje bíblico, será protegido por la mano de Dios, sin recibir ni un solo disparo. Incluso Luke Skywalker perdió un brazo en su búsqueda.

  Los personajes parecen estar impulsados por una fuerza divina en lugar de motivaciones personales, lo que debilita la fuerza del relato. Sin embargo, lo invisible de la película que logra su éxito, lo que nos absorbe y convoca un misticismo sugestivo, se encuentra en otra parte. Los sonidos magnéticos de la noche, los movimientos hipnóticos de los cuerpos durante el Carnaval, los rostros esculpidos por las antorchas, las miradas captadas al vuelo, los silencios ahogados bajo el ruido de los tambores: son ellos los que hacen vibrar a Guadalupe, revelando el alma de la isla como pocas veces se ha visto en pantalla. La oscura arena de Pointe-à-Pitre y sus barrios, filmada de noche el 80% del tiempo, cobra vida ante nuestros ojos, impulsada por una fotografía sensitiva y orgánica. El grano que siempre deja algún detalle en los negros de la imagen suaviza los contrastes para hacerlos menos abruptos y más matizados que los de una ciudad metropolitana fría. Porque aquí, en el Caribe, todo bulle, se vive sobre un volcán, y la astucia y la fe son reinas, permitiendo soportar el caos colonial y social tan entrelazado en la vida del país que resulta inseparable. Zion nos dice que en Guadalupe se sufre, y la idea ya presente en el cortometraje Ti moun aw, de los cruceros que vienen a arrancar pequeños pedazos de la isla, resulta acertada. ¿El Carnaval es realmente un vector de represión como se nos presenta? No importa, aceptamos ser sumergidos en la visión del director-autor, que además encarna su mirada omnisciente de narrador en un cameo bastante marcado, lamentablemente capaz de sacar de la película a cualquiera que reconozca su rostro.

  Trayectorias dispersas y una relación padre-hijo bienvenida

  En 2006, Tsotsi, del sudafricano Gavin Hood, inició un relato similar, con la violencia característica de Soweto. Un huérfano de 19 años, un "tsotsi" (nombre dado a los delincuentes perdidos), se encuentra con la responsabilidad de un bebé encontrado en la parte trasera de un coche que roba, tras disparar a su propietaria. Lleva al bebé en una bolsa de compras, y al cuidarlo, consuela al niño abandonado que aún lleva consigo. La película entrelaza estrechamente la trama del thriller con el viaje interior de Tsotsi y su rehumanización. En Zion, el niño es dejado en el umbral de Chris como un regalo de cigüeña, y no tiene nada que ver con su tráfico ni con su vida de “perro”, ya que luego descubrimos que Chris sabía desde el principio que el niño no era suyo, creando una brecha entre el héroe y el público, y matando la promesa de paternidad que inicialmente se nos había hecho.

  Chris lleva así dos luchas en paralelo: huir de los traficantes que lo persiguen y encontrar a la madre de Zion. No es hasta la última parte de la película que ambas trayectorias se cruzan, con el secuestro del niño por parte de los gánsteres. Este cruce tardío de las intrigas debilita el impacto dramático, dando la impresión de seguir dos historias separadas. El viaje interior de Chris, de joven despreocupado a padre, también tiene dificultades para convencer, ya que está acoplado al conjunto con una “backstory” que parece construida a medida: Chris protege a Zion porque su propio padre no los protegió a él y a su madre cuando ella fue asesinada en una represión policial durante el Carnaval, frente a sus ojos cuando era niño. Sin embargo, la valiosa relación entre Chris y su padre, que lo ayudará a proteger a Zion, llena las grietas del guion sobrecargado y mantiene intacto el hilo emocional.

  ¿Dónde están las mujeres?

  El tratamiento de los personajes femeninos resulta desconcertante. Las mujeres son retratadas como recipientes, cameos, madres que se niegan a serlo o chicas que eligen a los hombres equivocados. Esta falta de matices contribuye a un desequilibrio narrativo, donde la paternidad aparece como el único valor moral inquebrantable, incluso entre los traficantes. La película parece reescribir un nuevo libro sagrado en el que solo la madre muerta de Chris, su madrastra y la Virgen María encuentran gracia. No se esboza ninguna responsabilidad por parte de los traficantes (incluido Chris) respecto a la situación de la madre de Zion, una adicta a la que "nunca tocó", una paria incapaz de cumplir su función de madre. Hay que decirlo: al proceder así, la película deja un sabor amargo, omitiendo el tema de las madres solteras antillanas y sus cargas mentales.

!! Spoiler alert !!

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!! Spoiler alert !! 〰️

Pour son premier long-métrage, le réalisateur guadeloupéen Nelson Foix, raconte le voyage de son héros Chris, avec ses tripes, son cœur et ses références mêlées et régurgitées (The Place Beyond The Pines, Drive, Mon nom est Tsotsi, Athena), réussissant à faire de ZION un film touchant, à l’atmosphère envoûtante. Et si sa profusion de symboles et thèmes dilue parfois la profondeur de son sujet, ce récit initiatique quasi-biblique qui pourrait trouver sa place dans l’alignement premium des films de Disney +, réussit à s’émanciper de son court-métrage originel, et embarque le spectateur dans une « drive* » haletante. (*virée en créole)

Symbolisme, visible (trop) et invisible

Ouverture : la caméra balaie la longue queue d’un iguane, puis remonte le long du corps puissant, antique et rocailleux du reptile. Sa tête envahit l’écran, de la même façon que sa respiration inquiétante résonne aux confins de notre cage thoracique. “Écoutez le conteur qui s’apprête à nous délivrer sa parole”, semble dire le réalisateur, faisant de ce reptile endémique de la Guadeloupe, le vecteur de toutes ses projections mystiques. Mais l’animal, omniprésent à travers les plans, les tatouages, les médailles et les rêves, devient un symbole sursignifiant, perdant en subtilité ce qu'il gagne en répétition. La statuette de la vierge, elle aussi gage d’un syncrétisme stabiloté, devient un deus ex machina quand tenue par l’enfant, elle sauve le héros d’une mort certaine, simplement par sa présence. Chris fait un voyage métaphorique de Gwada-Bylone à Zion, le paradis des rastafaris ? Tel un super-héros ou un personnage de la Bible, il sera épargné par la main de Dieu, jamais touché par la moindre balle. Même Luke Skywalker perdit un bras dans sa quête.

Les personnages semblent tous poussés par une force divine, plutôt que par des motivations personnelles, faisant perdre le récit en force. Pour autant, l’invisible du film qui fait sa réussite, celui qui nous absorbe et convoque un mystique suggestif, se trouve ailleurs. Les bruits magnétiques de la nuit, les mouvements hypnotiques des corps pendant le Carnaval, les visages sculptés par les flambeaux, leurs regards pris à la volée, les non-dits noyés sous le bruit des tambours, ce sont eux qui font vibrer la Guadeloupe, révélant l’âme de l’île comme rarement vue à l’écran. L’arène sombre de Pointe-à-Pitre et de ses cités, filmée de nuit à 80%, prend vie sous nos yeux, portée par une photo sensitive et organique. Son grain qui laisse chaque fois du détail dans les noirs de l’image, adoucit les contrastes pour les rendre moins abruptes et plus nuancés que ceux d’une cité glaciale hexagonale. Car ici, en Caraïbe, ça grouille; ça vit sur un volcan, et la débrouillardise et la foi sont reines, permettant d’encaisser le chaos colonial et social si bien entrelacé dans la vie du pays, qu’il en est indissociable. On souffre en Guadeloupe, nous dit Zion, et l’idée déjà présente dans le court-métrage Ti moun aw, des bateaux de croisière venus arracher des petits morceaux de l’île, sonne juste. Le carnaval est-il vraiment vecteur de répression comme il nous est présenté ? Peu importe, on accepte d’être plongé dans la vision du réalisateur-auteur, qui vient d’ailleurs incarner son regard omniscient de conteur dans un caméo des plus appuyés, malheureusement capable de faire sortir du film quiconque reconnait son visage.

Des trajectoires éclatées, et une relation père-fils bienvenue

En 2006, Mon Nom Est Tsotsi, du sud-africain Gavin Hood, initie le même type de récit, avec la violence caractéristique de Soweto. Un orphelin de 19 ans, un “tsotsi”, nom donné aux voyous en perdition, se retrouve avec la charge d'un bébé trouvé à l'arrière d'une voiture qu’il vole, en tirant sur sa propriétaire. Il embarque le nourrisson dans un sac cabas, et en s’occupant de lui, console l'enfant abandonné qu'il a été et qu'il charroie toujours en lui. Le film entrelace étroitement l’intrigue du thriller, à la trajectoire intérieure de Tsotsi et à sa ré-humanisation. Dans Zion, l’enfant est déposé sur le palier de Chris comme par une cigogne, et cela n’a rien à voir avec son trafic, ni avec sa vie de « charot » puisque par la suite, on découvre qu’il savait depuis le début que l’enfant n’était pas de lui, créant au passage un décalage entre le héros et nous, et tuant la promesse de sa paternité qui nous a été faite.

Chris mène donc en parallèle deux combats : fuir les trafiquants qui le poursuivent, et retrouver la mère de Zion. Il faut attendre la dernière partie du film pour que les deux trajectoires se rejoignent avec l’enlèvement de l’enfant par les gangsters. Ce croisement tardif des intrigues affaiblit l'impact dramatique, donnant l'impression de suivre deux histoires séparées. La trajectoire intérieure de Chris le faisant passer d’infantile insouciant à père, peine aussi à convaincre, puisqu’elle est racolée à l’ensemble par une “backstory” qui semble montée de toute pièce : Chris protège Zion car son père ne les a pas protégé, lui et sa mère, quand elle a été tuée dans une répression policière au Carnaval, sous ses yeux et alors qu’il était enfant. Malgré tout, la précieuse relation entre Chris et son père qui va l’aider à protéger Zion, comble les failles du scénario sur-tricoté, et permet de garder la trame émotionnelle intacte.

Où sont les femmes ?

Le traitement des personnages féminins laisse perplexe. Les femmes sont dépeintes comme des réceptacles, des camées, des mères qui refusent de l’être, ou des filles qui choisissent les mauvais mecs. Ce manque de nuances contribue à un déséquilibre narratif, où la paternité apparaît comme la seule valeur morale inébranlable, même chez les trafiquants, et le film semble réécrire un nouveau livre sacré dans lequel seules la mère morte de Chris, sa belle-mère et la vierge Marie y trouvent grâce. Aucune responsabilité n’est d’ailleurs esquissée à l’encontre des trafiquants (incluant Chris), quant à l’état de la mère de Zion, une toxico qu’il « n’a jamais touchée », une paria incapable d’assurer sa fonction de mère. Il faut bien le dire, en procédant ainsi, le film laisse un goût amer en bouche, faisant l’impasse sur le sujet des mères célibataires antillaises, et de leurs charges mentales.

Gwénola Balmelle.

Bande-annonce “Ti moun aw” - Zayan Films.